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PAUTA
Informação e música em harmonia

Dias de mordaça: o impacto da censura e do terror do AI-5 para a música brasileira

Capa do álbum Cicatrizes do MPB-4, LP que contém a enfática ‘Pesadelo’, uma das músicas mais contundentes contra a censura. Foto: Divulgação / Philips

Nos 50 anos de decreto do Ato Institucional n° 5, reportagem especial do Showlivre faz um retrospecto sobre a produção musical lançada à sombra dos Dias de Chumbo

Postado em 13 de dezembro de 2018 por

Nesta quinta-feira (13), são completados 50 anos do decreto do temido Ato Institucional n° 5. Numa só tacada, o decreto sentenciou: o fechamento do Congresso Nacional; a cassação de direitos políticos e civis de opositores ao regime militar; a escalada da tortura e das execuções praticadas pelo Estado; o recrudescimento da censura; os “desaparecimentos”, o exílio e a clandestinidade de “subversivos”; a vista grossa, via mordaça da imprensa e dos mecanismos de investigação, da corrupção galopante e blindada com a falácia do chamado “Milagre Econômico”.

O enfrentamento aos excessos da ditadura, no entanto, culminou em um dos períodos mais ricos e inventivos para as artes do País. Percepção de resistência que foi desenhada coletivamente a duras penas ao longo dos quatro primeiros anos que sucederam o golpe civil-militar de 1964, e principalmente depois.

Quando oficialmente teve início o regime de exceção, em 1 de abril de 1964, visto em retrocesso, pelas lentes da cultura, o Brasil vivia momento dos mais inventivos para as expressões artísticas, constatação evidente em manifestações individuais, mas também em ações coletivas, como as do CPC (o Centro Popular de Cultura, da União Nacional dos Estudantes, a UNE).

Na tela grande, defendido por cineastas como Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos, Joaquim Pedro de Andrade, Ruy Guerra e Leon Hirszman, o Cinema Novo herdava lições estéticas e éticas do neorrealismo italiano para registrar um olhar inédito sobre as mazelas do nosso povo.

Nos palcos, o mesmo fenômeno de “Descobrimento do Brasil” era visto em espetáculos de companhias como o Oficina, de Zé Celso Martinez Corrêa e Renato Borghi, e o Arena, de Augusto Boal, Gianfrancesco Guarnieri e Oduvaldo Vianna Filho.

Na ficção literária, em meio a autores consagrados, como Guimarães Rosa, Érico Verissimo e Clarice Lispector, despontavam talentos como Dalton Trevisan, Carlos Heitor Cony, Lygia Fagundes Telles, José J. Veiga e José Agrippino de Paula. Na poesia, a tríade Décio Pignatari e os irmãos Augusto e Haroldo de Campos reinventavam forma e conteúdo, com o movimento da Poesia Concreta, enquanto Roberto Piva e Claudio Willer reverberavam aqui os versos livres e o existencialismo hedonista dos beats norte-americanos.

Nas artes visuais, o mesmo rebuliço estético era disseminado por artistas ousados, como Hélio Oiticica, Amilcar de Castro, Lygia Clark e Lygia Pape, com as proposições radicais do neoconcretismo, que culminaram em experiências de maior afronta, como a mostra coletiva Nova Objetividade Brasileira, de 1967.

Sob a batuta dos maestros que integravam o movimento Música Nova – Rogério Duprat, Damiano Cozzella, Gilberto Mendes, Willy Corrêa de Oliveira e Julio Medaglia –, novas proposições de vanguarda da música erudita ressoavam até mesmo na produção popular, com a adoção gradual de orquestrações de forte apelo sensorial que culminaram em arranjos primorosos de canções como Tropicália (Caetano, 1967), feito por Medaglia, Saudosismo (Gal, 1968) e Construção (Chico, 1971), ambos de Duprat.

Durante o festival Phono 73, no Anhembi, em São Paulo, Gilberto Gil e Chico Buarque são proibidos de cantar a letra de Cálice, ordem expressa por censores infiltrados no evento

Em momento de rara popularidade, a música instrumental também conquistava ouvintes de todo o País. O primeiro álbum do Tamba Trio (homônimo, de 1962), por exemplo, teve quase 300 mil cópias vendidas. No biênio 1963/1964, dezenas de outros LPs instrumentais foram lançados por pequenas gravadoras, como a Elenco, de Aloysio de Oliveira, e a Forma, dos jovens produtores Roberto Quartin e Wadih Gebara. A maioria dos registros trazia músicos modernos defendendo um novo gênero, derivado da bossa nova, chamado samba-jazz ou bossa-jazz. Entre os combos, o Copa 5, do maestro J.T. Meirelles, o Tamba Trio, de Luiz Eça, o Sambalanço Trio, de Cesar Camargo Mariano, e o Bossa Três, de Luiz Carlos Vinhas.

Com a deposição do presidente João Goulart e o engavetamento de seu projeto progressista, o samba-jazz e a bossa nova – mais especificamente a chamada “segunda geração”, liderada por Edu Lobo e seu amigo Marcos Valle – sofreram ingerências imediatas do golpe.

Cientes do poder da canção como forma de propagar ideias a milhões de brasileiros, os novos compositores deram adeus à temática idílica “do amor, do sorriso e da flor” (sintetizada no título do segundo álbum de João Gilberto, de 1960), para falar das mazelas do povo nordestino, da miséria cotidiana de favelas e morros e da necessidade de resistir às arbitrariedades dos militares. Movimentação que chegou ao ápice no show-manifesto Opinião, apresentado por Nara Leão, Zé Keti e João do Valle, em dezembro de 1964, na sede carioca do Teatro de Arena, em Copacabana.

“Tudo acontecia de bonito no cinema, no teatro e na música, e eu, tipicamente bossa nova, só falava de coisas boas, do amor, da natureza, mas chegamos a 1964 e tudo mudou completamente. O momento exigia posicionamento. Nossa liberdade estava cerceada e tínhamos que combater aquilo tudo.”

O depoimento de Marcos Valle, registrado em entrevista que publiquei com o artista na  edição 51 da extinta revista Brasileiros, escancara que, na  seara da música popular, foi justamente no campo de avanços estéticos, como a experiência harmônica da bossa nova, que os futuros compositores tiveram de abrir mão para dar lugar a uma música politizada, de complexidade harmônica infinitamente menor, com poucos acordes, porém incisiva nas letras, a famigerada “canção de protesto”, de artistas como Sérgio Ricardo e, maior expoente do gênero, Geraldo Vandré.

Autor do hino Caminhando (Para não Dizer que não Falei das Flores), Vandré foi tido por décadas como notória vítima da tortura e supostamente submetido a práticas horrendas, como lavagem cerebral e emasculação (retirada dos testículos). Fatos que o compositor, recluso há décadas, sempre negou.

Chico, aliás, criou um personagem, o sambista Julinho da Adelaide, para driblar os censores. Com essa estratégia, conseguiu driblar a mordaça e emplacou o sucesso Jorge Maravilha, do refrão “você não gosta de mim, mas sua filha gosta”, suposto recado do artista para o então presidente, o general Ernesto Geisel.

Autor do icônico cartaz de Deus e o Diabo na Terra do Sol, do baiano Glauber, o conterrâneo Rogério Duarte, um dos mais importantes artistas gráficos de sua geração, foi uma das primeiras vítimas a delatar a crescente prática de tortura que culminaria nos dias de barbárie ainda maior do AI-5. Rogério e seu irmão, Ronaldo, foram presos em 4 de abril de 1968, quando pretendiam ir à missa de Sétimo Dia do secundarista Edson Luís, morto por militares no restaurante estudantil Calabouço, no Rio de Janeiro – fato que culminou na chamada Passeata dos Cem Mil, com a mobilização de artistas e cidadãos cariocas contra o regime militar. Os irmãos Duarte passaram seis dias nas mãos dos militares e denunciaram à imprensa, em 11 de julho daquele ano, os excessos cometidos pelos militares.

Os traumas decorrentes da tortura fizeram com que o artista gráfico, autor de capas memoráveis da MPB, como LeGal, de Gal Costa, e Expresso 2222, de Gilberto Gil, vivesse por longos dois anos na mais absoluta clandestinidade. Rogério também teve de ser submetido a internações psiquiátricas e mergulhou em uma crença de redenção pelo misticismo que atravessou a década de 1970.

Para o historiador Sérgio Cabral, em entrevista a este repórter publicada na edição de abril de 2014 na revista Brasileiros, o golpe civil-militar de 1964 foi um momento divisor na história cultural do País, guinada histórica que demandou da classe artística a adoção imediata de novos procedimentos para driblar a censura, em nome de um senso de sobrevivência que ia além da conotação de resistência artística, mas de preservação da própria vida.

“Depois dos militares, a preocupação dos artistas ganhou base política. Não posso garantir que tenha havido um desvio definitivo, que a partir de então a música e a cultura brasileira poderiam ter sido diferentes sem os militares, mas muitos artistas até brincaram com a burrice da censura. A censura tinha a tradição de cortar coisas sem importância e deixar passar outras que, aparentemente, jamais deixaria. Omissões que até hoje não entendo, mas que felizmente houve, como a frase ‘Você me corta um verso e eu faço outro/Que medo você tem de nós?’ (da canção Pesadelo, de Maurício Tapajós e Paulo Sérgio Pinheiro, gravada pelo MPB-4 no álbum Cicatrizes, de 1972).”

Ouça Pesadelo, a contundente composição de Pinheiro e Tapajós

Cabral, no entanto, pondera e acrescenta que Pesadelo foi uma exceção. Segundo ele, o expediente comum era provocar o regime com mensagens cifradas, exercício compulsório que acelerou o processo de maturação de muitos artistas, especialmente no que tange ao lirismo e à criatividade de nossos letristas. “Nasceu daí a arte de fazer música engajada de maneira tão disfarçada que a censura não percebia”, defende o historiador.

Em entrevista publicada em 2011, na edição 46 da Brasileiros, o maestro Arthur Verocai reproduziu a mesma impressão em depoimento a este repórter sobre o trabalho de Vitor Martins, poeta, também parceiro de Ivan Lins, que escreveu as letras de seu primeiro álbum, epônimo, de 1972.

“Como a censura estava no auge e a barra pesadíssima, Vitor escreveu letras bem metafóricas como Presente Grego, exatamente o que significava a ditadura para o povo brasileiro, um presente de grego. A letra dizia coisas como ‘… Por trás das barbas de molho/O olho por olho/Pedra por pedra/Conta por conta…’. Ninguém entendia nada do que Vitor queria dizer – nem mesmo a censura, que liberou tudo.”

Estúpidos ou não, os censores impuseram sua mordaça até mesmo a artistas de grande repercussão internacional, como Milton Nascimento que, em 1968, havia sido convidado a lançar o álbum Courage, nos Estados Unidos, e por duas décadas amortizou uma profunda depressão com o alcoolismo, conforme também relatou a este repórter, em entrevista publicada na Brasileiros em outubro de 2013: “Bastava aparecer o nome Milton Nascimento que a censura vinha e cortava tudo. Nos 20 anos em que não pude falar e fazer quase nada, a única coisa que me restou foi beber muito. Como é que eu ia viver?!”.

Sorte maior tiveram artistas que receberam apoio de corporações multinacionais como a holandesa Philips, tratada com certa vista grossa pelos militares, por evidentes razões econômicas, como lembrou o executivo da indústria fonográfica André Midani, na autobiografia Música, Ídolos e Poder: do Vinil ao Download (editora Nova Fronteira).

“O governo ameaçava cancelar o registro da companhia no Departamento de Censura se não cooperássemos com os ‘princípios patrióticos da revolução’. Desconsideramos, por razões simplistas: se havíamos convencido um artista a trabalhar conosco, estávamos ao lado dele e de suas posições políticas. Por outro lado, o fato de sermos filiais de importantes conglomerados estrangeiros certamente nos ajudou a seguir com essa postura.”

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Onipresente, a ação da censura não perdoava nem mesmo compositores estigmatizados de “brega”, como Odair José. Foto: Reprodução / 1973 – O Ano Que Reinventou a MPB

Se a barra pesava menos para os protegidos das grandes gravadoras, sorte menor tiveram artistas menos conhecidos, como o pianista Dom Salvador que, não por acaso, mora em Nova York desde 1973. “A fase era pesadíssima, não havia nenhum interesse político entre nós, mas eu nem desconfiava que estava brincando com fogo.”

Também em entrevista à Brasileiros, reportagem que publiquei no especial Negritude, em novembro de 2011, Salvador lembrou do ambiente hostil do FIC – Festival Internacional da Canção de 1970, quando se apresentou ao lado de seu grupo, Abolição, composto por nove negros.

Vencido por Tony Tornado com BR-3, de Antonio Adolfo e Tibério Gaspar, o festival despertou a ira e um novo alerta nos militares, pois além de Tony – que logo foi obrigado a partir para uma temporada clandestina, de três anos, nos Estados Unidos –, o maestro Erlon Chaves, também negro e então namorado da atriz Vera Fischer, subiu ao palco do FIC.

Ao defender Eu Também Quero Mocotó, composição inédita do amigo Jorge  Ben Jor, Erlon e outros integrantes de sua Banda Veneno foram presos, porque, durante o número, o maestro ousou dançar de forma lasciva com suas backing vocals, todas loiras que, não bastasse, ainda beijaram sua boca. Uma afronta imperdoável para alguns, como a mulher de um general acomodada nas primeiras filas da plateia, que quase enfartou e exigiu que o marido desse um fim na ousadia de Erlon. Desse episódio em diante a carreira do maestro declinou vertiginosamente até sua morte, aos 40 anos, em 1974.

O recrudescimento da censura com o “Decreto Leila Diniz”
Uma apuração do jornalista e escritor Zuenir Ventura para a produção de seu livro 1968: o ano que não terminou revelou: somente no período de vigência do decreto (1968-1978), o AI-5 cassou, suspendeu os direitos e puniu mais de mil cidadãos brasileiros. Para a cultura do País, o saldo também foi desprezível: cerca de 500 filmes, 450 peças de teatro, 200 livros e 200 letras de canções foram censuradas.

Operação executada com um efetivo de mais de uma centena de agentes espalhados em diversos Estados pela Divisão de Censura de Diversões Públicas, órgão instituído com o AI-5, que existiu até 1988, quando foi extinto pela nova Constituição.


Ouça Escravos de Jó, de Milton Nascimento. Interpretada por Bituca e Clementina de Jesus, a composição teve a letra, de forte crítica social, “mutilada” pelos censores, assim como o conteúdo seu álbum de origem, o LP Milagre dos Peixes (1973)  

A mordaça imposta pela ditadura ganhou reforço significativo em 26 de janeiro de 1970, quando foi sancionado, pelo então ministro da Justiça Alfredo Buzaid, o decreto 1.077, imediatamente apelidado pelo jornal O Globo de Decreto Leila Diniz – uma alusão ao fato de a nova lei, que submeteu editoras de livros, jornais e revistas à censura prévia, ter sido criada logo após a atriz conceder uma entrevista bombástica ao tabloide O Pasquim, repleta de palavrões, na qual Leila defendeu o livre arbítrio e o direito feminino ao sexo livre.

Segundo declaração pública de Buzaid, o decreto fez-se necessário para “preservar a integridade da família brasileira, que guarda tradição e moralidade, combatendo o processo insidioso do comunismo internacional que insinua o amor livre para desfibrar as resistências morais da sociedade”.

Na reprodução de trechos de dois livros-reportagem, os jornalistas e escritores Franklin Martins e Zuza Homem de Melo falam do impacto do AI-5 sobre a música popular Brasileira.

“O Congresso foi fechado por tempo indeterminado. Nas semanas seguintes, foram cassados os mandatos de 55 deputados e seis senadores. Três ministros do STF foram afastados e perderam seus direitos políticos. Deixou de existir habeas corpus no Brasil. Uma enorme soma de poderes foi concentrada nas mãos do presidente da República. Milhares de opositores foram presos: estudantes, intelectuais, trabalhadores, parlamentares, religiosos, juízes. Para evitar prisões e maus-tratos, muitos foram obrigados a passar para a clandestinidade. Outros buscaram o exílio. A partir daí, durante os dez anos seguintes, o Brasil viveria sob o terrorismo de Estado. Abertas as jaulas, os tigres saíram à caça, com passe livre para prender, perseguir, torturar, matar.”

Franklin Martins, no texto de introdução da seleção de Aquele Abraço, de Gilberto Gil, uma das centenas de composições compiladas no livro Quem foi Que Inventou o Brasil – a música popular conta a história da República. Texto extraído do volume 2 (que retrata a produção de música popular entre 1964 e 1985), publicado no capítulo Ditadura e Resistência

“Vandré (o cantor e compositor Geraldo Vandré) vivia seus últimos dias de glória. Seus versos foram considerados altamente subversivos, a música foi proibida de ser executada em rádios, mas era cantada em cerimônias de protesto como se fosse a ‘Marselhesa’ brasileira. Dois meses e meio depois, foi decretado o Ato Institucional n° 5 (AI-5), que, entre outras medidas, suspendia o habeas corpus nos casos de crimes políticos contra a segurança nacional. O governo militar assumia sua face mais dura e repressiva, Caetano e Gil foram presos e se exilaram em Londres, Vandré fugiu do País antes de ser preso, Edu Lobo foi estudar arranjo na Califórnia, Chico Buarque foi para a Itália, e a censura fez valer suas garras contra as letras de canções brasileiras. A Era dos Festivais entrou em curva descendente. (….) Paulinho da Viola venceu o último Festival da Record com uma angustiante e bizarra canção que refletia o drama dos compositores exilados e dos que ficaram no Brasil, Sinal Fechado, que ficou na história como um exotismo na sua obra de grande artista.”

Zuza Homem de Mello, em excerto de Os festivais: uma respiração na ditadura, artigo compilado no livro Música Com Z – artigos, reportagens e entrevistas (1957-2014).

MAIS
Leia a reportagem O Romantismo Aguerrido de Taiguara e a Dimensão épica de ‘Ymira, Tayra, Ipy’.  Taiguara foi o compositor mais censurado durante os 21 anos de ditadura e chegou a creditar várias de suas composições no nome da esposa para driblar a mordaça dos censores.

 

 

 

 

 

 

A história por trás da suposta falsa internação voluntária de Britney Spears

A história por trás da suposta falsa internação voluntária de Britney Spears

O movimento #FreeBritney, com o apoio da mãe da cantora, sugere que a artista está internada contra sua vontade

Postado em 22/04/2019 por

A saúde mental de Britney Spears é alvo de atenção da família, fãs e amigos da cantora desde muito cedo, especialmente depois que a artista teve um surto, em 2007. No começo deste mês, depois de alguns lançamentos e respiros de seu retorno aos palcos, a cantora anunciou que – por conta da pressão psicológica derivada da doença do pai – iria dar uma pausa na carreira e internar-se novamente para cuidar de questões psicológicas que estavam atrapalhando seu dia-a-dia e carreira.

O TMZ publicou que o estado da cantora havia piorado por conta do medo constante de perder o pai para a doença que, desde o final de 2018, ameaça a vida de Jamie Spears. Além disso, uma fonte contou ao tabloide que Britney está enfrentando uma profunda depressão e falta constante de energia – o que coloca a cantora no time de pessoas contaminadas pela síndrome de Burnout – uma das recentes epidemias dos Estados Unidos.

Um texto motivacional a favor do tratamento psiquiátrico foi publicado nas redes sociais da cantora e tudo estava indo até que bem (se é que podemos classificar desta forma a internação de um dos maiores ícones da música mundial) até que o podcast BritneysGram mudou completamente a situação ao revelar que, na verdade, Britney Spears estaria internada desde janeiro deste ano, contra a sua vontade, por ter parado de tomar medicamentos que “controlavam” o comportamento da Princesa do Pop. Este seria o real motivo para o cancelamento de sua residência de shows em Las Vegas.

 

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We all need to take time for a little “me time.” 🙂

Uma publicação compartilhada por Britney Spears (@britneyspears) em

A novidade motivou o movimento “#FreeBritney” (“Liberte a Britney” em português) na internet e comoveu fãs e admiradores da cantora e todo o mundo. As proporções da ação de fãs na internet cresceu consideravelmente depois que a mãe de Britney Spears, publicamente contrária à internação da filha, curtiu publicações e comentários do movimento para forçar a saída da cantora. “Britney precisa de você e você não está fazendo nada. Pensei que você a amava, estava errado”, comentou um fã que conseguiu o like tanto da mãe como da irmã de Britney.

Fotos da cantora deixando a clínica para passar a páscoa com os filhos caíram na internet nesta semana e, por conta da aparência sofrida da cantora, sugerem que o tratamento não está fazendo bem para a cantora. Confira as fotos:

‘Slumber Party’, um dos singles mais recentes de Britney, é uma parceria com a cantora Tinashe e está disponível no YouTube. Confira:

Malía lança seu primeiro álbum, “Escuta”

O disco, que conta com a participação de Jão, está disponível em todas as plataformas de streaming

Postado em 18/04/2019 por

O Rio de Janeiro como capital pop brasileira sempre foi definido por suas mulheres. Das ‘passarelas’ de Ipanema aos biquínis asa-delta do Leme ao Pontal às garotas sangue bom, o rosto carioca sempre foi o de uma de suas garotas. A vez é a de Malía, que hoje, 18 de abril, lança seu primeiro trabalho cheio, “Escuta”.

Ouça:

Ela foi “It Girl” de O Globo, o clipe do primeiro single que lançou alcançou logo mais de meio milhão de visualizações, sua apresentação no camarote Arpoador, no Carnaval, foi ponto alto em opinião unânime e sua música de trabalho entra na nova temporada da novela “Malhação”.

Tudo isso porque Malía é escancaradamente verdadeira. Por onde passa, seu carisma grita, como em reportagens apontando o poder de hipnose de sua presença.

Ao se vestir, é uma camaleão. Mas nada do que usa é à toa. O mesmo vale para seu cabelo. E no que mais importa, a música, ela não conhece meias-verdades. Além do texto confessional, Malía faz música para valer, mesclando Elis Regina, Alcione ao hip hop e R&B internacional e o beat mesclado ao orgânico.

Assinou com a Universal Music e GTS, que é responsável pela gestão de sua carreira em parceria com a Arte Omnes. Agora lança em versão completa seu primeiro trabalho. Nas plataformas digitais de áudio, o trabalho é o registro em estúdio de 10 faixas. Na totalidade de aproveitamento da presença de palco e performance, “Escuta” é lançado também em audiovisual, em apresentação ao vivo que aconteceu no Parque das Ruínas, no bairro de Santa Teresa, no Rio, com uma faixa bônus.

Com Jão, ela divide vocal em “Dilema, primeiro single. Rodriguinho, d’Os Travessos, é o segundo convidado em “Escuta” e canta com ela “Feeling”. Há uma versão que é a cara da artista, “Faz uma Loucura por Mim”, de Alcione.

Ela vem da Zona Oeste, da comunidade Cidade de Deus, mas Malía começou no coletivo criativo Duto, do bairro de Madureira, na Zona Norte carioca. Foi revelada ao lado de QXÓ, Ramonzin e outros novos talentos como a forte voz feminina na afirmação da música urbana, no R&B e hip hop. A cantora está ligada à cultura de rua à mesma medida em que mistura samba, funk e MPB.

“AVC – Amor Vida e Caos”: Frank Ejara lança novo álbum com show gratuito em SP

(Foto: Newton Santos)

O evento acontece nesta quinta-feira (18), na Galeria Olido, e contará com várias participações especiais

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Na noite desta quinta-feira (18), véspera de feriado, Frank Ejara sobe ao palco da Galeria Olido, em São Paulo, para lançar seu novo álbum. Intitulado ‘AVC – Amor, Vida e Caos’, o disco marca a nova fase do dançarino, DJ e produtor musical.

O show contará com Frank Ejara no vocal, Dilan como MC de apoio e com o DJ Basin. Além disso os dançarinos Elieseu Correia, Evandro HegelBia PatrocínioValentina “Kuruf” darão vida ao set list, que será composto por canções do novo projeto.

A noite ainda contará com as participações especiais de KamauPepeuCarol NazaretGuiko BaptistaBboy AndrezinhoDJ NGS e DJ Rafa Jazz (Beat Brasilis).

 

Serviço

Show: Frank Ejara – show amor vida e caos
Data e Horário – 18.04.19 (quinta-feira), às 20h.
Local – Sala Olido – Centro Cultural Olido – Av. São João, 473, Centro, São Paulo/SP
Informações – (11) 28997370

 

Mais Sobre o CD

Pela manhã, logo ao acordar em um dia  comum de agosto de 2017, Frank Ejara sente uma dormência, seguida por uma formigação, dor insuportável e falta de equilíbrio, o tempo todo consciente, mas com medo de fechar os olhos e não acordar mais… Foi levado com urgência ao hospital, mas somente 2 dias depois foi constatado que sofreu um AVC.

Foi esta experiência que inspirou o álbum “Amor, Vida e Caos”, do dançarino, DJ, produtor musical, cantor e compositor Frank  Ejara. “Após o meu acidente, muita coisa mudou em mim. Uma delas foi pensar em retomar o que realmente era meu sonho de realização. Fazer Rap e ter minhas músicas pelo mundo. Isso se perdeu com o tempo, com outras funções que exerci e que claro, me deram muita felicidade e realizações como por exemplo a dança. Mas quando me vi naquela situação, pensei que o que mais sonhei não havia realizado. Então, o momento é agora”, explica Frank Ejara.

O álbum de 13 faixas é autoral e todas as canções foram feitas de forma bem particulares, as músicas  foram gravadas no home estudio do artista e a produção, a programação, a composição e os arranjos ficaram por conta do próprio, já a masterização ficou por conta de Joe Black.

O projeto conta com várias participações especiais, o primeiro single Pausa e Play, teve a participação do DJ Basim no stratch, já a Tão Perto contou com Gabriel o Pensador e Guiko Batista, a Mente de um Bboy contou com DJ Niko, na Deixe As Dores Pra Mim, foi a vez de Joe Black, em Estou Bem, contou com Kameu e Carol Nazaret e a O Baile, teve Pepeu e Carol Naret novamente.

“O conceito do álbum aconteceu após meu AVC, sendo assim a maioria das músicas tem um conteúdo bem pessoal. Diria que é realmente um projeto autoral em todos os sentidos”.

Trata-se do primeiro álbum da carreira, mas o namoro com a música é de longa data.  Em 1999 Frank ao lado do DJ Som 3 gravou uma fita demo que denonimou “Operação Diamante”, o intuito era arrumar uma gravadora, o que acabou não acontecendo, mas o fato é que as músicas se espalharam e na época ocorreu um certo barulho. Além disso, no mesmo ano fundou a Discípulos do Ritmo, primeira Cia. Profissional de dança de rua do país, que ganhou reconhecimento internacional, e até hoje é diretor, córeagrafo  e dançarino. Também é sócio-fundador do Selo musical Meccanismo e com ele produziu vários artistas artistas, além de atuar como DJ em eventos. “Antes eu separava o dançarino,  do MC, mas agora, com tudo que passei e refleti, vi que o Frank Ejara é um só e mais que nunca um lado vai colaborar com o outro. Aliás, acredito que não sei mais diferenciar”.

As pretensões do artista para este novo projeto combinam bem com sua fase atual, são as mais sinceras possíveis. “Espero que todos absorvam as mensagens das músicas e de alguma forma possam relacionar com suas vidas e se isso não acontecer, que apenas dancem e se divirtam com os beats”, finaliza.

George Henrique & Rodrigo lançam EP “Bagunça Minha Vida”

George Henrique & Rodrigo lançam EP “Bagunça Minha Vida”

Com seis faixas, novo álbum dos goianos será divulgado também em vídeo

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Há oito anos, a dupla George Henrique & Rodrigo roubava a cena no sertanejo ao ousar com o primeiro DVD gravado em um posto de gasolina. Mais maduros e seguindo uma tendência acústica do mercado sertanejo, os irmãos surgem agora com um novo e impecável trabalho intimista. “Bagunça Minha Vida” é o novo EP da dupla que chega às plataformas de áudio pela Universal Music. As seis faixas do novo álbum serão liberadas para streaming e download a partir de 18 de abril. Cada música do novo projeto será lançada com um videoclipe, disponibilizados no canal oficial dos artistas no Youtube.

Com cenário intimista, a dupla se apresenta sentada cercada pelos músicos comandados por Ivan Miyazato, produtor musical responsável pelo novo repertório. E as imagens foram registradas pela equipe da Varanda Produções sob cuidados do Ricardo Bikay.

No novo EP, George Henrique & Rodrigo trazem um repertório que evidência o romantismo dos cantores, explorando a musicalidade para se tornar os porta-vozes dos corações apaixonados, seja aqueles que esperam viver um amor intenso ou aqueles que sofrem pelo fim. Superar um desamor na mesa do bar ou tentar se desvencilhar da pessoa para superar o fim, são temas principais do novo EP. George Henrique & Rodrigo prometem bagunçar muitos corações.

A música carro-chefe do novo EP se chama “Bagunça Minha Vida (Um Mês ou Uma Hora)” e é a balada do novo álbum. Com arranjo envolvente e grande aposta para ganhar o público ela conta sobre um início de relacionamento onde o que importa é amar intensamente, sem se importar se vai durar um mês ou uma hora. Aquela bagunça boa de se ter. Tanto que ela dá nome ao novo trabalho.

Já as outras cinco faixas do novo álbum são reflexos de amores que não deram certo. “Eu Queria Ser Você” é um amor não superado e a dor de cotovelo de ver a outra pessoa seguir a vida como se nada tivesse acontecido. “Interiorzim” fala de um fim de relacionamento complicado na cidade pequena em que cada esquina a pessoa dá de cara com o ex-affair. E se é para sofrer por amor, a mesa de bar é o lugar ideal. Mas em “A Última Cerveja”, composição do próprio George Henrique, a dupla decreta que é a última bebedeira que toma pela doída separação e avisa “se bater saudade, assume meu lugar nos bares da cidade”.

Ouça:

Na faixa “Muda”, uma mágoa não é capaz de acabar com um amor, que no momento da raiva não quer o fim, mas suplica por uma mudança para superar a decepção. “De Novo Nunca” é aquele chega para lá em alguém que é só a pessoa estar bem para voltar e bagunçar tudo novamente.

Com temas jovens e mantendo sempre a essência sertaneja em suas músicas, a dupla goiana apadrinhada por Bruno & Marrone, soma 700 mil inscritos no Youtube e cerca de 350 milhões de visualizações no canal oficial do YouTube. As vozes marcantes de George Henrique & Rodrigo formam o casamento perfeito para um repertório marcado por músicas de sofrência, vividas na mesa de bar e regada a sertanejo.

“Suspeito”: Jambalaia mergulha de cabeça em sua nova fase

“Suspeito”: Jambalaia mergulha de cabeça em sua nova fase. (Foto: Pedro Lenehr)

Single divulgado nesta quinta-feira (18) é o primeiro lançamento do álbum “Volátil”

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Você já se sentiu suspeito de si mesmo? A banda Jambalaia descreve esse sentimento com muita intensidade em seu novo lançamento, Suspeito, que conta com clipe e single em todas as plataformas digitais. “Distante de tudo que eu queria ser, distante do mundo, distante do agora”, como a canção diz, transmite sentimentos muito comuns e provavelmente já vividos pela maioria das pessoas. “Nossa música é para aquela pessoa que foi demitida, aquela que sofreu preconceito, aquela que está perdida sem saber em qual direção seguir. De maneira geral, qualquer pessoa que esteja presa a um sentimento”, conta Pedro Cezar, vocalista e compositor do single.

Para reforçar a ideia da redenção como única solução para superar esses sentimentos negativos, o clipe de Suspeito se divide entre cenas da banda recebendo – literalmente – um “banho de água fria” e cenas de um personagem melancólico que não vê outra solução além de se entregar. O clipe, produzido por Pedro Lenehr, do Estúdio Lingus, foi gravado em Brasília, com cenas no Lago Paranoá. Confira:

O Jambalaia, que antes passeava por uma mistura de pop, rock e reggae, agora reafirma o seu lado mais rock nessa nova fase repaginada, mas sem perder o groove. Com músicas que aborda a libertação com profundidade e lirismo, a banda prepara mais 4 singles para os próximos meses, com lançamento do novo disco Volátil no segundo semestre. Volátil foi produzido por Ricardo Ponte, que trabalhou na mixagem e masterização do álbum ganhador do Grammy Latino, “Éter”, da banda Scalene. Ainda esse ano, Jambalaia se apresenta no México, no Festival Lifa, após vencer o concurso da edição realizada no Brasil.

A banda promete clipes cinematográficos para as próximas músicas, sempre com muitas narrativas e profundidade. O seu primeiro álbum foi o “Tudo O Que É Nosso Está Guardado”, lançado em 2015, época também de lançamento do primeiro clipe, “Dose de Café”. Jambalaia é formado por Pedro Cezar (vocalista), Felipe Roller (Guitarrista), Robson Anselmo (Baixista), Wagner Souza (Tecladista) e Sergio Sebba (Baterista).

Liniker e os Caramelows são confirmados no festival inglês Glastonbury

O festival é um dos mais populares da Europa e já recebeu nomes como Katy Perry, Ed Sheeran e Adele

Postado em 17/04/2019 por

Nos últimos anos, Liniker e os Caramelows investiram na carreira internacional. Entre 2016 e 2018, o grupo passou por mais de 20 países e conquistou marcos importantes, como a participação no hypado Tiny Desk Concert, da NPR Music. Após o lançamento do disco Goela Abaixo, em março deste ano, a banda anunciou mais uma turnê fora do Brasil, com datas em países da América Latina, da Europa e também uma passagem pelos Estados Unidos. Agora, mais uma confirmação consolida a trajetória de Liniker e os Caramelows. O conjunto sobe ao palco da edição 2019 do festival inglês Glastonbury, um dos mais relevantes do mundo.

 

 

“Tocar no Glastonbury é um sonho de todos que trabalham com arte e, principalmente, de quem desenvolve a sua carreira de forma independente”, diz a cantora e compositora Liniker. “Nós damos o máximo nos nossos shows e em tudo o que envolve o nosso som, então é incrível ter o reconhecimento de um festival como este”, completa.
Em breve, mais datas da Goela Abaixo World Tour serão anunciadas.

Netflix apresenta… Homecoming: A Film by Beyoncé

Netflix apresenta… Homecoming: A Film by Beyoncé

Filmado ao longo de oito meses, o filme acompanha a estrela global quando ela retorna ao palco depois do nascimento de seus gêmeos

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Hoje, a Netflix lançou Homecoming: A Film by Beyoncé, que apresenta um olhar intimista de sua performance histórica no Coachella em 2018, que homenageou as faculdades e universidades historicamente negras dos Estados Unidos (HBCUs). Intercalado com gravações e entrevistas detalhando a preparação e a forte determinação que há por trás de sua visão, Homecoming permite ao telespectador dar uma espiada na preparação e sacrifícios emocionais necessários para conceituar e executar uma performance dessa magnitude e que se tornou um movimento cultural. Essa produção Netflix já está disponível globalmente.

Como a primeira mulher negra a ser headline do Coachella, Homecoming homenageia os afro-americanos visionários que inspiraram Beyoncé, incluindo os ex-alunos HBCU Toni Morrison, Alice Walker, a ativista Marian Wright Edelman e o acadêmico W.E.B. Du Bois, além de pessoas importantes culturalmente como Nina Simone, Maya Angelou, Chimamanda Ngozi Adichie e Audre Lorde. Beyoncé conheceu a importância das HBCUs com o seu pai Mathew Knowles, ex-aluno da Universidade Fisk.

Filmado ao longo de oito meses, o filme acompanha a estrela global quando ela retorna ao palco depois do nascimento de seus gêmeos, destacando a completa preparação necessária na criação de sua performance inovadora, que incluiu quatro meses de ensaios com a banda seguidos de quatro meses de ensaios de dança com mais de 150 músicos, dançarinos e outros profissionais – todos foram escolhidos a dedo pela própria artista.

Em meio a dupla função: de diretora de sua performance ao vivo e do filme que capturou o processo de realizá-lo, Beyoncé diz: “Foi um dos trabalhos mais difíceis que eu fiz, e eu sabia que eu precisava empurrar a mim mesma e ao meu time para irmos além, sair do ótimo ao extraordinário. Nós sabíamos que algo assim nunca havia sido feito anteriormente a nível de um festival, precisava ser icônico e sem qualquer comparação. A performance foi uma homenagem a uma parte importante da cultura afro-americana. Tinha que ser verdadeira para aqueles que a conhecem, e divertida e esclarecedora para aqueles que precisavam aprender. Ao fazer o filme e recontar a história, o propósito permaneceu o mesmo ”.

Muitos no elenco; banda, cantores, dançarinos e steppers são ex-alunos da HBCU, imersos na tradição de Batalha de Fanfarras, dos Estados Unidos. Eles se juntaram ao grupo de artistas da Beyoncé, que já estiveram em turnê com ela por anos. Os espectadores não só conseguem ver os intensos ensaios de dança e o talento desses incríveis artistas, mas conhecer sua jornada pessoal de estudante da HBCU para artista e o grande impacto que geraram ao lado de Beyoncé neste show histórico.

Muitos com consciência cultural e intelectual se formaram em universidades para negros, inclusive o meu pai”, diz ela no filme. “Há algo muito importante nessa vivência, que deve ser celebrado e protegido.

Como um presente para seus fãs, o filme também inclui – nos créditos finais – sua regravação de “Before I Let Go”, do Frankie Beverly and Maze, um clássico de R&B de 1981 que é frequentemente apresentado nos jogos da HBCU. O single está disponível na trilha sonora do filme, “HOMECOMING: THE LIVE ALBUM”, já disponível pela Parkwood Entertainment e Columbia Records. smarturl.it/BH9102

Homecoming: A Film by Beyoncé, foi dirigido e produzido por Beyoncé Knowles-Carter. O seu colaborador de longa data, Ed Burke, atuou como codiretor. Steve Pamon e Erinn Williams são produtores executivos.

‘Formation’, a principal faixa do mais recente álbum de Beyoncé, conta com mais de 160 milhões de plays no YouTube. Assista:

‘Medellín’: Madonna divulga faixa inédita com Maluma

‘Medellín’: Madonna divulga faixa inédita com Maluma

Faixa faz parte do próximo álbum de estúdio da cantora, ‘Madame X’, marcado para ser lançado em junho deste ano

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A Rainha do Pop está de volta! Depois de alguns rumores e mistérios envolvendo seu novo trabalho, Madonna está oficialmente de volta e, nesta quarta-feira (17), divulgou o single ‘Medellín’. A faixa é uma parceria com o colombiano Maluma e já está disponível em todas as plataformas digitais.

Ao longo de seus quase cinco minutos de duração, o single – primeira amostra do novo álbum da cantora – tem uma pegada mais experimental e traz, além de sussurros, vocais em inglês e espanhol. Ouça:

 

‘Madame X’, o próximo álbum de Madonna, está marcado para ser lançado no dia 14 de junho deste ano e, além de Maluma, ainda deve contar com participações especiais de nomes como Quavo, Swae Lee e Anitta. A aproximação de Madonna com idiomas latinos, como o português e o espanhol, ganhou peso depois que a Rainha do Pop foi morar em Portugal.

A parceria com Anitta, intitulada ‘Faz Gostoso’, começou a ser especulada no ano passado quando a cantora norte-americana publicou uma foto ao lado da brasileira durante uma gravação em estúdio. A foto viralizou. Confira:

 

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Always fun to run into talented and beautiful friends in the studio! 💛@anitta 💛💛💛! 🇧🇷#magic

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Álbum de Pitty traz participações de BaianaSystem, Larissa Luz e Pupillo

“Matriz” será lançado dia 26 de abril nas plataformas digitais e, em seguida, em CD, vinil e cassete.

Postado em 16/04/2019 por

“Matriz” é, provavelmente, o disco mais surpreendente de Pitty. Ela o criou de forma bem livre, seguindo sua intuição e acabou fazendo um álbum que contém referências de sua história e aponta novos caminhos por onde sua música pode passar.

Composto e gravado durante a primeira parte da turnê “Matriz”, o disco partiu dessa ideia de revisitar suas origens, chegar na matriz sonora e perceber como isso se comporta nos dias de hoje, como através do rock ela dialoga com novas influências e toda sua trajetória até aqui.

O álbum foi gravado parte no Rio, no Estúdio Tambor, parte em São Paulo e parte em Salvador, onde Pitty nasceu e viveu até os 23 anos quando foi para o Rio gravar o primeiro disco. Na busca por suas origens, acabou trazendo algumas referências da Bahia que ela nem imaginava. Assim, participam do álbum os baianos: Lazzo Matumbi (“Noite Inteira” e “Sol Quadrado”), Larissa Luz (“Sol Quadrado”), Nancy Viegas (“Noite Inteira”) e BaianaSystem (“Roda”). Entre as 13 faixas há duas releituras, de “Motor” (Teago Oliveira), da banda Maglore e “Para o Grande Amor”, de Peu Souza. Todas as faixas foram produzidas por Rafael Ramos, com exceção de “Redimir”, produzida pelo pernambucano Pupillo, que também tocou percussão, bateria e programação eletrônica.

‘Noite Inteira’, a parceria com Lazzo Matumbi, já está disponível no canal oficial da cantora no YouTube. Assista:

Salgadinho e Ferrugem anunciam single em conjunto

“O Sol e Sal” é a primeira grande novidade do icônico ex-líder do Katinguele para 2019

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Um dos maiores nomes da história do pagode está de volta. Com mais de 8 milhões de álbuns vendidos e hits como “Inaraí” e “Recado à Minha Amada (Lua Vai)“, Paulo Salgado, mais conhecido como Salgadinho, ex-líder do icônico grupo Katinguelê, um dos maiores fenômenos do pagode do anos 90, promete um 2019 muito especial.

A primeira grande novidade do ano fica por conta do lançamento do single e clipe de O Sol e Sal, música que contará com a participação especial do cantor Ferrugem, um dos maiores nomes do pagode nos últimos anos. Sobre a participação especial do cantor, Salgadinho diz que sempre teve empatia grande pela arte de Ferrugem e, que poder gravar com ele, significa a união do samba e reconhecimento de uma geração. “Sempre acompanhei a carreira dele (Ferrugem). É um artista que acompanho há anos e sempre tive muita empatia por sua arte. Gravar essa canção, que também é de sua autoria, mostra a união da indústria do Samba e o reconhecimento que minha geração plantou, assim como Fundo de Quintal, Zeca Pagodinho e Almir Sater, marcaram a nossa. Estou muito feliz”, comenta o cantor.

Sobre os próximos passos da carreira, Salgadinho ainda faz mistério. O cantor conta que deverá lançar mais 5 singles no ano e que alguns deles ainda devem conter participações especiais. “Estamos planejando o ano de 2019 com muito carinho e surpresas. Este ano será um divisor de águas na minha carreira solo. Espero lançar mais 5 singles ainda, que deve conter mais algumas participações especiais incríveis. Ainda não posso falar, mas os fãs ficarão muito surpreso e felizes com o que vem por ai”, finaliza.

Percussor do movimento pagode anos 90 e idealizador do projeto “Amigos do Pagode 90″,  Salgadinho possui 30 anos de estrada, hits como “Inaraí”, “Lua Vai”, “No Compasso do Criador” e “Engraçadinha”. Seu mais recente projeto, “Amigos do Pagode 90”, passou por 17 Estados, 60 cidades e levou cerca de 300 mil pessoas aos shows nos últimos 3 anos.